Невероятная жизнь сценариста

Первые произведения научной фантастики на китайском языке рассматривали, по выражению известного писателя Лу Синя, как средства для «улучшения мышления и помощи культуре». Современное китайское кино преследует примерно ту же цель, стремясь вдохновить и обогатить национальное сознание.

Китай активно ищет талантливых сценаристов по всему миру, ставя перед собой амбициозные цели в области кинопроизводства. Важным шагом на этом пути стало установление тесных контактов с кинематографистами различных стран, включая Россию. Примечательно, что знание китайских иероглифов не является обязательным требованием для участия в этих проектах. Главный акцент делается на глобальное мышление и способность рассказать историю, которая будет понятна и интересна зрителям.

Для российских сценаристов это отличная возможность сотрудничать с Китаем и создавать совместные проекты. Важно найти агента, который хорошо знает китайский рынок или имеет международные связи. Если такой агент не находится, зарегистрируйтесь на сценарных платформах, таких как InkTip, Script Revolution или Starnichang. На сайтах вы сможете показать свои работы и найти партнёров для ваших проектов.

Шинарио для аниме

Аниме – один из ключевых экспортных продуктов японской экономики. Часто можно услышать, что аниме представляет собой «мультики для перезрелых подростков», однако этот жанр несравненно глубже и многограннее. В то время как значительная часть аниме нацелена на взрослую аудиторию, существует также множество произведений, подходящих для детей.

Вы, вероятно, знакомы с Studio Ghibli во главе с режиссёром и сценаристом Хаяо Миядзаки. Студия совместно с Walt Disney распространяла «Принцессу Мононокэ» (もののけ姫, дословно «принцесса мстительных духов) и «Унесённых призраками» (千と千尋の神隠し, дословно «Сэн и похищенная ками Тихиро»), став одной из самых влиятельных анимационных компаний в мире. Покемоны, широко любимые детьми 1990-х годов, и «Прекрасная воительница Сэйлор Мун» (美少女戦士セ—ラ—ム—ン) также относятся к жанру аниме. Аниме отличается нестандартными сюжетами, насыщенными драматизмом, гротескными эмоциями и специфическими диалогами.

История аниме началась в 1907 году. В это время многие японские художники находились под влиянием западной анимации и стремились создать уникальный национальный контент для Японии. Материалы были дорогими. Более того, Япония пережила несколько экономических кризисов из-за Великого землетрясения Канто в 1923 году, а затем из-за Второй мировой войны. Жанр аниме мог бы исчезнуть, если бы не крупные японские компании, которые начали заказывать рекламу у анимационных студий, так как это оказалось дешевле по сравнению с наймом актёров и организацией студийных съёмок.

В 1940-х годах вышел первый анимационный фильм, спонсируемый правительством. После окончания войны аниме стало повсеместно распространяться среди населения. Производство аниме активно поддерживалось чиновниками, так как оно помогало отвлечь японцев от суровых реалий послевоенного времени.

В 1963 году аниме вышло на международный рынок. Черно-белый аниме-сериал Осаму Тэдзуки «Astro Boy» (鉄腕アトム, дословно «Могучий Атом»), заложивший основы современной аниме-стилистики, был адаптирован для экспорта в США. Сериал, рассказывающий о мальчике-роботе со сверхспособностями, был показан на NBC благодаря усилиям сценариста и продюсера Фреда Лэдда. Он также привёз в Америку другой шедевр Тэдзуки – «Кимбу Белого льва» (ジャングル大帝, дословно «Император джунглей»), который многие считают прототипом «Короля Льва». «Astro Boy» быстро завоевал армию поклонников и до сих пор воспоминается с ностальгией несколькими поколениями. Однако, несмотря на всемирную популярность своего произведения, Осаму Тэдзука – культурная легенда в Японии – остался практически неизвестным за её пределами.

В 1968 году анимационная студия Tatsunoko повторила успех, адаптировав популярную мангу для создания международного хита «Спиди Гонщик» (マッハ). В 2008 году тогда ещё братья Вачовски попытались экранизировать «Speed Racer», но фильм провалился в прокате – не удалось передать атмосферу сериала. В те времена историей про гонщика Спиди и его уникальный спортивный автомобиль Mach 5 заинтересовался актёр Питер Фернандес, оказавшийся ключевой фигурой в распространении аниме за пределами Японии. Позже художник-мультипликатор Карл Мацек и сценарист Сэнди Франк применили тот же подход с другими популярными японскими анимациями. Благодаря нескольким проницательным импресарио, которые донесли до англоязычной аудитории уникальность жанра, японское аниме распространилось по всему миру.

Сегодня покемоны, Тоторо и герои «Евангелиона» (Neon Genesis Evangelion) стали частью мировой культуры. В интернете можно найти даже курсы пикапа, основанные на поведении Гатса, главного героя сериала «Берсерк» (Berserk). По всему миру проводятся аниме-конвенции, где продаются фигурки, DVD-диски, открытки и другие сувениры. В Токио есть целые районы, такие как Акихабара и Икебукуро, специализирующиеся на аниме, а в Осаке – знаменитый Ден-Ден Таун. Аниме оказывает значительное социокультурное влияние как внутри Японии, так и за её пределами. И оно продолжит оказывать это влияние, поскольку у людей всегда будет потребность сбежать от повседневной жизни в мир фантазии и развлечений.

Как пишется сценарий в аниме? Для каждой серии создаются два вида сценариев – сценарий эпизода и съёмочный сценарий. Сценарий эпизода (шинарио, シナリオ), который составляет сценарист, и съёмочный сценарий, который согласовывается с аниматорами. Термин «шинарио» был введен в Японии в 1920-х годах режиссёром Генри Котани, который использовал его для обозначения документа, состоящего из списка сцен и ракурсов камеры. Со временем использование этого термина изменилось: в Америке он означает общий сюжетный план, тогда как в Японии «шинарио» обозначает полноценный сценарий эпизода.

Японский сценарий имеет свои особенности. Как в пьесах, персонажи перечисляются в начале документа, и каждому из них даётся краткое описание, если он появляется в серии впервые. В японских сценариях нет пометок для режиссёра, советов по длительности сцены и раскадровке. Сценарист записывает историю сплошным текстом японскими иероглифами, предоставляя режиссёру и аниматорам свободу интерпретации и воплощения сцен на экране.

Процесс написания сценария в Японии схож с западным. Сюжет каждого эпизода определяется на совещаниях, затем фиксируется в документе, который можно перевести как «производственное предложение». Общий сюжет шоу обычно определяется на этапе планирования и включается в производственное предложение. Например, для сериала «Альдноа. Зеро» (アルドノア·ゼロ) сценарист Ген Уробучи составлял краткий план сюжета на одну-две фразы для каждого эпизода после обсуждений с режиссёром Эй Аоки. Затем участники сценарной группы развивают персонажей и детали сюжета, чтобы история была связной и динамичной. Этот этап американский режиссёр Майк ди Мартино, соавтор мультсериала «Аватар: Легенда об Аанге», называет «раскрытием истории».

После первых набросков сценарий обсуждается на совещании, известном как хон-ути (本打ち). На это совещание приглашаются режиссёр, сценарист и другие ключевые участники производства, включая продюсеров, композиторов, операторов и сотрудников студии. Сценарист собирает идеи, корректирует план эпизода и работает над «дискуссионной версией». Это занимает от одной до трёх недель, после чего команда собирается вновь для обсуждения черновика и внесения поправок. Процесс повторяется до тех пор, пока сценарий не будет утверждён без замечаний, что может занять до пяти итераций или более.

Одно из ключевых отличий аниме от голливудских фильмов заключается в диалогах. В аниме допустимо использование диалогов-филлеров, то есть «наполнителей», которые не всегда двигают сюжет вперёд, но служат для создания атмосферы или развития персонажей. Ещё одной особенностью является сложный, многосерийный сюжет, который может развиваться на протяжении десятков эпизодов. Для полного развития сюжетной линии может потребоваться более полусотни серий. Персонажи многослойны, так как их черты характера необходимы для регулярного взаимодействия друг с другом.

Следует также отметить, что стать сценаристом аниме – задача сложная и почти недостижимая для иностранцев. В Японии официально работают всего лишь 56 сценаристов, все из них – японцы по происхождению. Однако существуют примеры успешных проектов, созданных фанатами аниме за пределами Японии, таких как американский сериал «Аватар: Легенда об Аанге» или российский фильм «Эксэлла» Андрея Удота. Доступный способ попасть в аниме – начать с манги. Возможно, именно вам уготована честь стать первым российским сценаристом в студии Миядзаки.

Жестокая конкуренция в Корее

Корейские дорамы – это телесериалы по южнокорейским сценариям. Иногда их называют корейскими мыльными операми, но такое название вводит в заблуждение, поскольку корейские дорамы охватывают широкий спектр жанров: от научной фантастики и романтических комедий до ужасов и исторических драм. Обычно количество серий варьируется от 16 до 24, хотя семейные и исторические драмы могут длиться по 50 и более серий. В большинстве случаев дорамы не получают продолжения и завершатся в течение одного сезона.

Как и в Китае, южнокорейские сериалы подвергаются жёсткой цензуре. Нагота и взрослые темы почти отсутствуют, что делает их доступными для широкой аудитории в разных странах, особенно тех, где преобладают консервативные воззрения. Тематика дорам затрагивает социальные проблемы и аспекты жизни, близкие и понятные людям по всему миру – такие как семья, дружба и любовь.

В производстве корейских дорам участвую независимые продюсерские компании, а не телеканалы, как это принято в большинстве других стран, включая Россию. Препродакшн может занять несколько месяцев кропотливого труда, а конкуренция на должность сценариста уже стала легендарной. Обучение сценарному ремеслу в Южной Корее возможно только в Broadcasting Writers’ Education Centre, который ежегодно набирает 350 кандидатов, из которых только 7 становятся попадают в профессию.

В корейских сценарных комнатах существует жёсткая иерархия: главный сценарист предлагает ключевые сюжетные линии и развивает их с командой. В зависимости от положения в иерархии сценарист может заниматься либо только поиском информации, либо редактурой отдельных сцен. Младшим сценаристам под страхом смерти запрещено самостоятельно вносить правки в сценарий, а уж тем более писать что-либо. Шоураннер, отдавший написание текста сценаристу «ниже по карьерной лестнице», считается некомпетентным. Из-за иерархической системы между сценаристами идёт постоянная жестокая борьба, в которой «выживают» только лучшие из лучших.

В сценарной комнате трудятся несколько десятков сценаристов, которые обязаны выдавать до пяти сериалов в год. На написание сценария к дораме уходит от 6 до 12 месяцев. Для одобрения сценария достаточно синопсиса, прописанного до 3-го или 4-го эпизода. Обычно в дораме 12–16 эпизодов. Уже на этом этапе начинается подготовка к съёмкам, пока сценаристы продолжают работать над черновиком. Южнокорейские сценаристы отмечают, что они редко видят съёмки, для которых готово более 6 сценариев до их начала.

Сценарий может легко измениться, если, к примеру, китайский инвестор настоял на своём участии в качестве актёра, и почти весь сезон был переписан под его прихоть. Такая гибкость, а также внимательный мониторинг рейтингов сразу после запуска сериала, позволяет быстро реагировать на обстоятельства. Если рейтинг падает или товары, рекламируемые через продакт-плейсмент, не продаются, сценаристы могут ожидать гневного звонка от продюсера. Шоураннеры находятся под давлением, так как задача повышения продаж телефонов или косметики полностью ложится на их плечи. И все это в высоком темпе, без отмены работы над другими проектами.

Усердный труд сценаристов окупается множественными выгодами. Дорамы сильно повлияли на туризм в лучшую сторону. Опрос Корейской туристической ассоциации показал, что примерно половина иностранных туристов решили посетить страну после просмотра корейских сериалов. Существуют даже отдельные туры по местам съёмок популярных дорам. С начала 2000-х годов множество женщин, очарованных романтичными героями сериалов, приезжают в Южную Корею с желанием выйти замуж за корейца. Медицинская индустрия, особенно пластическая хирургия, также получает значительную выгоду от популярности дорам. Среди хирургических клиник у дорам большое количество спонсоров, а врачи благодарны за такой поток пациентов. Выгодный обмен.

Похоже, популярность дорам продолжит расти. На платформе Netflix дорамы дублируются на более чем 30 языков, включая английский, шведский, хинди, португальский и индонезийский. В 2021 году Netflix инвестировал в корейское кинопроизводство более 500 миллионов долларов, и Apple TV+ и Disney+ вскоре последовали его примеру.

Вывод? Азиатский рынок является крупнейшим в мире и продолжает активно развиваться. Однако для сценаристов, не говорящих на японском, китайском или корейском языках, доступ к этому рынку остаётся сложным. Зато можно перенимать их опыт для создания успешных проектов на родине.

Упражнения для сценаристов

1. Расширение горизонтов повествования

Расскажите вашу историю, не придерживаясь классической трёхактной структуры. Пусть напряжение не спадает, а герои попадают в кряду конфликтов без конца и начала. Постарайтесь вести повествование так долго, как сможете. Подумайте, что при таком подходе станет основой вашей истории? Какие элементы удержат внимание зрителя без традиционных сюжетных вех?

2. Коллективное творчество

Представьте, что вы формируете команду из профессионалов киноиндустрии: звукорежиссёра, монтажёра, костюмера, художника и других специалистов. Ещё лучше, если вы действительно привлечёте друзей с этими навыками, чтобы получить реальные отзывы. Как каждый из них воспримет ваш сценарий? Есть ли в нем пространство для их творческого самовыражения, или работа над таким проектом покажется им скучной? Постарайтесь понять точку зрения каждого участника команды, соберите их замечания, и внесите изменения в сценарий, чтобы улучшить и обогатить сюжет.

3. Интерактивное взаимодействие с аудиторией

Задумайтесь, как рейтинги могут влиять на написание сценария. Каждый сценарист должен хотя бы раз попробовать публиковать свою историю по главам. Определите, какие главы вызывают наибольший отклик, и используйте эту информацию для корректировки и улучшения последующих частей истории. Подход также тренирует способность оперативно реагировать на мнение публики и вносить правки по ходу разработки проекта.

Что посмотреть из азиатского кино?

Китайские фильмы

«Богиня весны» (1934), «Ангел с улицы» (1937), «Весна в маленьком городе» (1948), «Желтая земля» (1984), «Городок лотосов» (1987), «Красный гаолян» (1988), «Подними красный фонарь» (1991), «Прощай, моя наложница» (1992), «Синий бумажный змей» (1993), «Под жарким солнцем» (1993), «Жить» (1994), «Дьяволы у порога» (2000), «Тайна реки Сучжоу» (2000), «Герой» (2002), «Глухая шахта» (2003), «Всё ещё жизнь» (2006), «Город жизни и смерти» (2009), «Кайлийская меланхолия» (2015), «Слон сидит спокойно» (2018), «Прощай, сын мой» (2019)

Японских аниме, кроме Миядзаки

«Наруто: Ураганные хроники» (2007), «Тетрадь смерти» (2006), «Атака титанов» (2013), «Клуб свиданий старшей школы Оран» (2006), «Человек-дьявол: Плакса» (2018), «Код Гиас: Восставший Лелуш» (2006), «Самурай Чамплу» (2004), «Шумиха!» (2006), «Фури-Кури» (2000), «Отчёт о буйстве духов» (2019), «Евангелион» (1995), «Охотник х Охотник» (2011), «Моб Психо 100» (2016), «Первый шаг» (2000), «Монстр» (2004), «Ковбой Бибоп» (1998), «Стальной алхимик: Братство» (2009), «Дорохэдоро» (2020), «Берсерк» (1997), «Укрась прощальное утро цветами обещания» (2018), «Волчьи дети Ами и Юки» (2012), «Сказания Земноморья» (2006), «Твоё имя» (2016), «Сад изящных слов» (2013), «Форма голоса» (2016)

Корейские сериалы

«Игра в кальмара» (2021), «Во имя мести» (2021), «Мой аджосси» (2018), «Потомки солнца» (2016), «Что случилось с секретарём Ким?» (2018), «Параллельные миры» (также известный как «Мир женатой пары» или «The World of the Married», 2020), «Силачка До Бон-Сун» (2017), «Отель «Дель-Луна»» (2019), «Демон» (также известный как «The Guest», 2018), «История девятихвостого лиса» (2020)

Железный сценарий

Первые киноаппараты появились в Российской империи вскоре после сеансов в Париже, уже в апреле 1896 года. Однако сценарное дело начало развиваться задолго до этого. Народная культура на Руси развивалась наряду с официальной, связанной с церковью и деловыми функциями. Из-за климата у нас не было передвижного театра до 1905 года, поэтому в каждом регионе возникали свои уникальные истории. Были популярны представления скоморохов – полуязыческие шоу с песнями и танцами. Хотя церковь их жестоко преследовала, они существовали до XVII века, и их отголоски живы до сих пор – на Коляду, Масленицу. Скоморохи рассказывали сказки, новости и истории, услышанные от путешественников и купцов.

В некоторых регионах рассказывание историй стало отдельной профессией. У поморов был «бахарь» – человек, который ходил с рыбаками в море и делил улов наравне с ними. Его задача была рассказывать сказки и легенды, чтобы развлекать богов моря и обеспечить хороший улов.

Со временем появилась сказовая культура, где рассказчик сам становился частью истории. Основой сказа были древние события, пересказываемые как бы без ответственности за их правдивость. Рассказы могли вести разные люди, от странствующих купцов до красавицы в гареме, как в сказках «Тысяча и одна ночь». Примером таких сказов служат истории об Илье Муромце, где картины его жизни и быта перекликаются с событиями, которых не могло быть в действительности.

В литературе сказовую культуру можно найти у Лескова, Гоголя и Шолохова. Даже у Булгакова в «Мастере и Маргарите» рассказчик занимает важное место. В кино сказовая традиция отражена в телепередаче «В гостях у сказки». Помните тётю Валю, которая открывала окно и начинала передачу словами «Здравствуйте, дорогие ребята и уважаемые товарищи взрослые!»?

Увы, многие народные легенды утрачены, так как передавались устно. Монахи записывали другие, более религиозные истории. Объединяющим для народного и «служебного» творчества было смешивание разных сюжетов в единое произведение. Средневековые авторы переписывали и дополняли текст, создавая коллективный труд без указания авторства, так как это считалось дурным тоном. Не мог же автор настолько предаться самолюбованию, чтобы посчитать себя создателем вместо Бога? Иногда, чтобы придать вес своему труду, они могли приписать его известному религиозному деятелю, например, Иоанну Златоусту.

В Средневековье появился Симеон Полоцкий. Писатель был значимой фигурой XVII века, заслуживающей сравнения с Шекспиром. Исследователь Георгий Флоровский описывает его как ловкого и изворотливого западно-русского книжника, сумевшего занять важное место в Московском обществе. Полоцкий поэт стал наставником детей царя Алексея Михайловича. Помимо написания стихов, он переводил книги и был придворным астрологом. Царь не полностью доверял астрологии, и Симеон учил детей, что звёзды только слегка могут влиять на человеческие страсти, но не управляют волей человека.

Благодаря Симеону в 1672 году в России открылся первый театр, основанный на украинских школьно-церковных традициях. Доктор искусствоведения и профессор СПБГУ им. Римского-Корсакова Татьяна Шабалина отмечает в энциклопедии «Кругосвет», что православная церковь на Украине использовала фольклорный театр для борьбы с католическими влияниями из Польши, заимствуя сюжеты церковных обрядов и перемежая их комедийными интермедиями, музыкой и танцами.

Московский театр перенимает традицию. Первым драматургом становится Симеон, как человек, не только разбирающийся в дипломатических аспектах при дворе, что можно показывать, а о чём лучше умолчать, но и почитатель Аристотеля, Сенеки и Луция, коих обильно цитирует в стихах. Наиболее известные пьесы Симеона – трагедия «О Навходоносоре царе…» и комедия-притча о блудном сыне. В его пьесах часто встречаются весёлые «междоречия». В комедии о блудном сыне сцены кутежей и унижений героя являются оригинальными вставками, связывающими школьно-церковную и светскую драматургию. В отличие от украинской драматургии, Симеон не использовал аллегорические фигуры грехов и мифологических персонажей, а писал о реальных людях, что делает его творчество началом российской традиции реализма.

Метод «смешать, не взбалтывая» стал символом для наших авторов и сохранялся на протяжении многих лет. Русская фольклорная драматургия была основана на устойчивой фабуле, которая использовалась как сценарий. Этот сценарий часто дополнялся новыми эпизодами, отражающими актуальные события. Иногда такие вставки изменяли общий смысл первоначальной истории. Примером такой драматургии является пьеса «Царь Максимилиан». Хотя она появилась только в XVIII веке, есть мнение, что она отражает более древние события. Сюжет о конфликте между царём и сыном некоторые исследователи связывают с отношениями Петра I и царевича Алексея. Также предполагается, что она может быть связана с христианизацией Руси князем Владимиром. Это намекает на то, что русская фольклорная драматургия может быть намного древнее, чем принято считать, и может восходить к языческим временам.

Российский театр XVII века не испытал влияния европейского театра, что позволило ему выработать уникальную театральную стилистику. Самобытность способствовала быстрому развитию театра и потакала разнообразию жанров. В отличие от европейцев, российские драматурги писали и трагедии, и комедии. Начало этому положил Симеон Полоцкий, а продолжили Александр Грибоедов и Александр Островский.

Фольклорное искусство России начали изучать только в XIX веке, после отмены крепостного права в 1861 году. В течение более 400 лет крестьяне жили в условиях крепостничества. Их песни, образы, легенды и мифы передавались устно и не записывались, так как считалось, что у крестьян нет культурных ценностей. Первые научные публикации народных драм появились только в 1890 году в журнале «Этнографическое обозрение».

Поэтому существует альтернативная точка зрения: русский театр развивался не только под влиянием царской власти в XVII веке, но всегда существовал в народе. Например, в народно-героической драме «Лодка» можно увидеть черты языческих погребальных обрядов.

В XIX веке Павел Рыбников открыл былины русского народа. До этого считалось, что у русских нет собственного эпоса. Это открытие вызвало шок у аристократии. Крестьяне с недоверием относились к интересу дворян, которые недавно могли их пороть, и неохотно делились своими знаниями и верованиями. Из-за нехватки информации некоторые дворяне начали подделывать рукописи и народные песни. Так появилась «кабинетная мифология», в которой искусственно выросли боги Лада, Лель и Ярило, а у бабы Яги и Змея Горыныча находили божественное происхождение и культы, не свойственные славянам.

В то же время в русской литературе, которую считают «идеологическим и нравственным фундаментом», который должен дать ответы человеку на великие вопросы о смысле жизни, неожиданно появляются новые герои – «маленький человек» и «лишний человек». Маленький человек, невысокого социального положения и без особых талантов, тоже заслуживает быть услышанным. О трагичной судьбе маленького человека писал журналист и писатель Пётр Вайль:

«Маленький человек из великой русской литературы настолько мал, что дальнейшему уменьшению не подлежит. Изменения могли идти только в сторону увеличения. Этим и занялись западные последователи нашей классической традиции. Из нашего Маленького человека вышли разросшиеся до глобальных размеров […] герои Кафки, Беккета, Камю […]».

Тема «маленького человека» всегда была неудобной для властей – будь то имперская или советская власть. Этот образ отражает беспомощность перед государственной системой и невозможность что-либо изменить. Однако он продолжает быть важным в русском искусстве. Примерами могут служить фильмы Андрея Звягинцева «Левиафан» и Юрия Быкова «Дурак».

Какие выводы можно сделать? Нам близка форма сказа – повествования, насыщенного национальным колоритом и особенностями народного языка. Мы легко воспринимаем разрозненные отрывки истории, объединённые чем-то общим, а также переработанные истории, адаптированные к современности. Русская культура тяготеет к пёстрой канве историй, объединённых одной общей линией, и к смешению жанров. Народная культура, хоть и часто воспринимается как «низкая» из-за исторической агитации, на самом деле представляет собой ключевой элемент русской души, дающий надежду и возможность спастись от серых будней. Культура «сверху», напротив, традиционно носит назидательный и отобранный характер, что делает её стерильной.