Maestros de la m?sica

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– Es maravilloso. Por lo menos ahora la gente puede o?rlo mejor.

En 1842, Franz Liszt fue expulsado de San Petersburgo en 24 horas. El hecho consistiо en lo siguiente: estaba tocando en una sala donde entre los oyentes se encontraba el emperador Nicolаs I, quien durante el concierto estaba hablando bastante fuerte con sus ayudantes. Entonces, Liszt dejо de tocar.

– ?Quе pasо? ?Por quе ha dejado de tocar? – le preguntо Nicolаs y a?adiо: – Sigue, por favor.

– Cuando habla el zar, el resto debe guardar silencio, su majestad – respondiо Liszt cortesmente pero con firmeza.

El Emperador prosiguiо escuchando el concierto en silencio. Sin embargo, inmediatamente despuеs de su presentaciоn, a Liszt lo esperaba el jefe de la polic?a, quien le dijo que nunca mаs pod?a venir a la capital de Rusia.

Franz Liszt muriо en 1886, en Bayreuth. El gran romаntico se considera uno de los pioneros de la «m?sica programаtica», que trata de evocar ideas, imаgenes extramusicales o estados de аnimo. Fue uno de los innovadores de la armon?a en el siglo XIX, sobre todo en el uso de complicados acordes cromаticos. Tambiеn investigо nuevos procedimientos musicales con su tеcnica de variaciones temаticas, como se puede apreciar en la Sonata en B menor. Esta tеcnica y sus armon?as cromаticas influyeron en Wagner y en Richard Strauss. Sus composiciones para piano requer?an una tеcnica dif?cil y revolucionaria que otorgо al instrumento un color y sonoridad completamente nueva. Liszt compuso 647 obras – entre las cuales 63 son para orquesta – y unas 300 transcripciones para piano. En todo lo que compuso Liszt se siente la b?squeda de nuevas formas y la riqueza de la imaginaciоn.

Revista QUID N° 35, agosto 2011

GUSTAV MAHLER. Un vienЕs de FE

Gustav Mahler (1860—1911)

El 7 de julio de 2010, el mundo musical conmemorо los 150 a?os del nacimiento de Gustav Mahler.

Hoy en d?a es dif?cil no advertir que la m?sica de Mahler estа invadiendo las salas de conciertos, las transmisiones de la radio y las producciones discogrаficas. Si en la dеcada de los setenta sоlo los partidarios de la vanguardia musical paseaban por las calles de Nueva York en camisetas que dec?an «I love Mahler», ahora hasta gente con pocos conocimientos de m?sica clаsica dice que Mahler es su compositor preferido. Por un lado, el еxito de la m?sica de Mahler atrajo mаs atenciоn hacia la m?sica de los representantes del modernismo vienеs, tales como Sch?nberg, Berg, Schreker y Zemlinsky. Por otro lado, retrajo la atenciоn de manera inmerecida de compositores como Bruckner, Tchaikovski y Richard Strauss. Mаs a?n, este еxito tiene el peligro de convertirse en contra de su propio contenido, ya que con la repeticiоn de las interpretaciones se pierde la magia de las obras. Mahler se convirtiо en un mito sobre el que los musicоlogos trabajan con el mismo interеs con el que analizaban el «mito» de Beethoven a travеs de los estudios de percepciоn de su m?sica. Los investigadores afirman que estudiar y entender la m?sica de un compositor sin considerar el proceso de formaciоn de su «mitolog?a» es un hecho de gran complejidad. En el caso de Mahler resulta fаcil observar que еl, como ning?n otro compositor, se quedо en el centro de la discusiоn entre el modernismo y el postmodernismo, y que en su herencia, con un relieve particular, estаn esbozados los problemas conectados con estas categor?as. La m?sica de Mahler se discute en los marcos de distintas temаticas: el progreso, el romanticismo tard?o, la «nueva» m?sica, la nostalgia, la vanguardia, el realismo, el idealismo, el arte de la ejecuciоn y la creatividad compositiva. «Dentro de treinta o cuarenta a?os —dec?a Mahler—, las sinfon?as de Beethoven no se ejecutarаn mаs en los conciertos. En su lugar se ejecutarаn las m?as». Estas palabras, que hab?an sido citadas por un cr?tico de la еpoca de Mahler, nunca se consideraron como una predicciоn relevante, pero a pesar de todo, la expresiоn ten?a un carаcter sumamente mahleriano. Mahler predec?a el gran еxito de su m?sica, y si observamos los programas de los conciertos de los ?ltimos a?os, estarа claro que su sue?o de vencer a Beethoven se ha realizado.

La elevaciоn de Mahler como director de orquesta y compositor fue impetuosa y furiosa. Еl se sent?a marginado como checo en Austria, como austriaco en Alemania y como jud?o por todo el mundo. Pero, seg?n la confirmaciоn de Leоn Botstein en su art?culo de la Gu?a sobre Mahler, еl siempre trataba de ser un verdadero vienеs por su fe y tambiеn la figura mаs notable de la pol?tica cultural de Viena.

Mahler era hijo de un comerciante de la peque?a localidad de Kali?te, prоxima a la ciudad checa de Humpolec. A los 15 a?os fue llevado por los padres al Conservatorio de Viena para una audiciоn. El profesor de piano Julius Epstein dijo enseguida: «Еl es un m?sico innato». No obstante, Mahler no pudo ganar el concurso estudiantil de composiciоn. Por eso decidiо seguir perfeccionаndose en el аrea de direcciоn orquestal. Su labor como director de orquesta iniciо en los teatros provinciales de оpera. Mаs tarde trabajо en Budapest y Hamburgo. Mucha gente veneraba su desempe?o sobre el podio como si fuera una nueva religiоn. Una vez, luego de que Mahler terminara de dirigir la оpera Don Giovanni de Mozart, Brahms dijo que «nunca hab?a escuchado nada mejor». El puesto del Director General de la Оpera de Viena en el a?o 1897 fue la recompensa por su еxito. Durante la primavera de 1907 Mahler negociaba su salario con la Metropolitan Opera de Nuevo York. Le ofrecieron el salario mаs alto jamаs recibido por un m?sico: 75.000 coronas por tres meses de trabajo (en dinero actual, alrededor de 220.000 euros).

?Se preocupaba en vano por el desprecio a su m?sica en aquel entonces? Si observamos la lista de sus estrenos en Viena se puede notar que en la selecciоn de la m?sica contemporаnea trataba de promover sus propias obras. Los que trabajaban bajo la direcciоn de Mahler en la Оpera deb?an soportar su presumida exigencia, los ataques de ira y los cambios de humor. «Cuando Mahler se encontraba en el podium, pod?a hacer tal magia con su batuta, que hasta lograba excelentes resultados de los ejecutantes de segundo nivel», dec?a el dramaturgo principal de la Оpera de Viena. Mahler no soportaba las оperas comunes. Le gustaban los espectаculos que se daban en los grandes festivales como los de Bayreuth, donde se realizaban las irreprochables obras oper?sticas.

La mayor?a de los que asist?an a los estrenos de Mahler, aun los que eran sus partidarios, notaban la furia en sus sinfon?as. En la actualidad, cuando en las pel?culas romаnticas se usan solamente las partes tranquilas de sus obras (como, por ejemplo, el Adagietto de la Quinta Sinfon?a en la pel?cula Muerte en Venecia de Luchino Visconti), nadie cuestiona las otras cualidades de su m?sica porque no las conocen del todo. Incluso Julius Korngold, uno de los protectores mаs firmes de Mahler en la prensa, dando su rese?a de la Sexta sinfon?a, mencionaba su satаnica fuerza.

En la noche del 21 de febrero de 1911, estando en Nueva York y desobedeciendo al consejo de su mеdico, Mahler dirigiо un programa de obras italianas. Fue su ?ltimo concierto; una infecciоn fatal, en forma de una endocarditis bacteriana subaguda, estaba extendiеndose por todo su cuerpo. Regresо a Viena, donde muriо el 18 de mayo de 1911.

Revista QUID N° 28, junio 2010

MODEST M?SORGSKI. La gran estrella fugaz

Modest M?sorgski (1839—1881)

Modest M?sorgski, el gran compositor ruso que produjo un importante impacto sobre la m?sica del siglo XIX, naciо el 21 de marzo de 1839. Pertenec?a a una familia de la nobleza rusa que supuestamente proced?a del primer gobernante de Rutenia, R?rik, y los pr?ncipes soberanos de Smolensk que le siguieron. Su infancia transcurriо en el pueblo de Karevo, 400 km al sur de San Petersburgo, en la atmоsfera de la vida campesina patriarcal. En sus notas biogrаficas M?sorgski resaltaba que «la familiaridad con el esp?ritu de la vida popular fue el principal impulso en mi labor creativa».

Su talento musical fue descubierto tempranamente. A los siete a?os de edad, Modest, bajo la tutor?a de su madre, pod?a tocar algunas obras simples para piano de Franz Liszt y de John Field. Sin embargo, nadie en la familia pensaba seriamente sobre su futuro musical. De acuerdo con la tradiciоn familiar, en 1849, Modest y su hermano mayor Filaret ingresaron al colegio alemаn Petrischule en San Petersburgo y luego a la Escuela de Cadetes de Guardia. La formaciоn del joven M?sorgski en el entorno militar se llevо a cabo de una manera muy contradictoria: por un lado se destacaba en las materias de ciencia militar, pero por el otro tomaba clases de piano con el reconocido pedagogo Antоn Gerke y asist?a a los espectаculos de оpera. Los cadetes ten?an que hacer guardia en el palacio real, participar en desfiles en la Plaza del Palacio y tambiеn realizar el servicio en los hospitales militares. Una vez all?, M?sorgski se encontrо con Aleksandr Borod?n, un mеdico-qu?mico y un famoso m?sico aficionado. Borod?n describe a M?sorgski en sus memorias: «Sus maneras eran agraciadas, aristocrаticas. Hablaba tranquilo, intercalando sus palabras con frases en francеs, un poco pretenciosas. Su cortes?a y sus modales eran extraordinarios».

Mientras la vida de un cadete de guardia sopesaba a M?sorgski, su interеs por la m?sica se hac?a mаs profundo y serio. En una oportunidad Modest se encontrо con el amigo de Mikhail Glinka, el famoso compositor Aleksandr Dargomyzhski, en cuya casa se reun?an varios m?sicos para interpretar canciones y fragmentos de оperas. En la casa de Dargomyzhski, M?sorgski por primera vez pudo percibir la actitud profesional hacia la m?sica y tambiеn conocer gente que pensaba seriamente en el desarrollo de la cultura musical en Rusia. El efecto de la m?sica de Dargomyzhski sobre el joven m?sico fue enorme. Su credo creativo expresado con la frase «quiero expresar las palabras con el sonido correcto», posteriormente se convirtiо en el lema propio de M?sorgski.

En 1856, despuеs de su graduaciоn, M?sorgski fue nombrado oficial del regimiento Preobrazhensky. Ante еl se abr?a una brillante carrera militar. Sin embargo, el encuentro con los m?sicos Cesar Cui y Mili Balаkirev lo inspirо a elegir otro camino. A pesar de los ruegos de los amigos y de los familiares, dejо el servicio militar. Ese mismo verano, a ra?z de la elevada carga emocional por la ruptura con el servicio militar y tambiеn por la intensa dedicaciоn a la m?sica, M?sorgski sufriо un severo agotamiento nervioso. Por un tiempo ocultо su depresiоn, apat?a, sensibilidad mоrbida y las ideas m?sticas. Un a?o mаs tarde escribiо a Balаkirev: «?ltimamente he hecho un esfuerzo para vencer mi enfermedad». Sin embargo, mаs tarde los brotes del malestar se repitieron.

En enero de 1860, para gran alegr?a de M?sorgski, fue ejecutado su Scherzo para orquesta en un concierto de la Sociedad Musical Rusa bajo la direcciоn de Antоn Rubinstein. El famoso cr?tico musical Aleksandr Serov hizo un importante comentario sobre la obra: «Interpretada junto con la m?sica del maestro Meyerbeer, la composiciоn de M?sorgski no ha perdido ante еsta, sino que ha ganado».

Los a?os sesenta para Rusia fueron еpoca de grandes cambios: se destru?an las relaciones feudales y la nobleza y la monarqu?a estaban perdiendo su poder. La complejidad social se profundizо con la derrota de Rusia en la guerra de Crimea en 1856. Por supuesto todo esto tuvo una gran influencia sobre la vida cultural. En este per?odo comenzо la formaciоn del famoso «Grupo de los Cinco», integrada por Balаkirev, Borodin, Cu?, M?sorgski y Rimski-Korsakov, quienes eligieron el camino del desarrollo de las tradiciones musicales de Glinka. En 1868, M?sorgski empezо a trabajar sobre su obra maestra, la оpera Boris Godunov y al mismo tiempo pensо sobre la Jovаnshchina. En este per?odo fue cuando se hizo cercano a Rimski-Korsakov. Desde el oto?o de 1871 los dos compositores incluso compart?an el mismo departamento. Desde la ma?ana hasta el mediod?a el piano era utilizado por M?sorgski, mientras el otro trabajaba con partituras. Despuеs del mediod?a M?sorgski iba a trabajar al Departamento Forestal y Rimski-Korsakov se sentaba al piano.

Lamentablemente, en los a?os siguientes M?sorgski se resist?a cada vez menos a su obsesiоn por la bebida. Por sus frecuentes ausencias hab?a perdido su trabajo en el servicio civil. Compon?a poco. A principios de 1881 sufriо cuatro ataques en rаpida sucesiоn. A pesar de que sus amigos le hab?an encontrado una habitaciоn cоmoda en un buen hospital, la situaciоn era desesperante. Ilya Repin pintо el famoso retrato que reflejо los ?ltimos d?as del compositor. Una semana despuеs de cumplir los 42 a?os, M?ssorgski hab?a muerto. Fue enterrado en el cementerio del Monasterio de Aleksandr Nevski en San Petersburgo.

«No sе cоmo fue mi desempe?o en el arte, pero siento que he hecho algo justo e irrevocable». El ciclo vocal de Canciones y danzas de la muerte, la suite Cuadros de una exposiciоn, la pieza orquestal Una noche en el Monte Pelado, las оperas Boris Godunov y Jovаnshchina son brillantes ejemplos del talento de Modest M?sorgski.

Revista QUID N° 52, junio 2014

CARL NIELSEN. el alma de la m?sica danesa

Carl Nielsen (1865—1931)

La m?sica danesa estuvo en sus comienzos muy vinculada con la tradiciоn musical alemana. Reciеn a comienzos del siglo XX, los compositores Hartmann, Lumbye y Gade dieron muestras de una producciоn propia diferente. No obstante, sоlo Carl Nielsen logrо alcanzar la fama y la valoraciоn internacional de la m?sica de su pa?s.

Carl Nielsen naciо el 9 de junio de 1865 en Norre Lyndelse, un pueblo cercano a Odense (ciudad natal de Hans Christian Andersen), en la isla Fionia. Fue el sеptimo de 12 hijos de una familia pobre. Su padre era pintor de casas y un violinista aficionado que tocaba en los bailes de su vecindario, y su madre se ocupaba de las tareas domеsticas y del cuidado de sus numerosos ni?os. A los 3 a?os, Carl generaba distintos sonidos de percusiоn con pilas de le?a y a los ocho aprendiо a tocar el viol?n. Tras un lapso en el que se desempe?о como aprendiz de zapatero, fue aceptado en la orquesta militar de Odense y as? pudo, a los catorce a?os, dedicarse a la vida musical. Aprendiо a tocar la trompeta mientras continuaba sus estudios de viol?n. A los dieciocho a?os se mudо a Copenhague, donde se inscribiо en el Conservatorio para estudiar composiciоn. Se graduо en 1886 y los a?os siguientes se ganо la vida componiendo ocasionalmente y tocando temporalmente en varias orquestas. En el a?o 1900, Nielsen recibiо un subsidio del gobierno, que le permitiо dedicarse a la composiciоn. Obtuvo un puesto como profesor de la Academia de M?sica de Copenhague, cargo que desempe?о hasta su muerte. En 1916 fue nombrado profesor del Conservatorio de la capital danesa. Entre 1915 y 1921 fue director de la orquesta de la sociedad Musikforeninger, con la que dio a conocer gran parte de sus obras.

Entre las composiciones de Nielsen se destacan seis sinfon?as que reflejan una gran preocupaciоn por el contrapunto, el cromatismo, combinados con armon?as no cromаticas en los puntos culminantes, y la tonalidad progresiva (utilizada tambiеn en cierta medida por Gustav Mahler), es decir que la m?sica comenzaba en una tonalidad y evolucionaba hasta finalizar en otra diferente, algo que en el siglo anterior hab?a sido considerado como contrario a las caracter?sticas del gеnero sinfоnico. Ademаs de las sinfon?as, otras piezas populares de Nielsen son las compuestas para el drama del poeta Adam Oehlenschl?ger Aladdin, las оperas Sa?l og David y Maskarade, los conciertos para flauta y clarinete, as? como tambiеn su Quinteto de viento. Ademаs, es autor de numerosas canciones populares danesas. Asimismo, escribiо dos grandes libros de canciones destinados a la escuela y a la familia.

Se casо con Anne Marie Brodersen, y su matrimonio durо hasta la muerte del compositor. Su esposa se dedicaba a la escultura, ten?a una mente liberal y se desentend?a del hogar y de los hijos; Nielsen ten?a que criarlos y ademаs atender sus obligaciones como m?sico. Sus problemas familiares y profesionales, as? como la Primera Guerra Mundial, lo afectaron mucho y marcaron el carаcter serio y algo sombr?o de su Cuarta y Quinta sinfon?a, consideradas por algunos cr?ticos como las mejores. Anne Marie creо una serie de esculturas en memoria de su marido. Una de ellas es un joven tocando la flauta de Pan. En Odense, desde 1980 se celebra una competencia internacional musical en nombre de Carl Nielsen.

En este a?o del 150° aniversario del compositor, presentamos algunos hechos interesantes sobre Carl Nielsen que les permitirаn completar su retrato personal y art?stico:

1. Dicen que Nielsen fue un violinista regular: durante varios a?os de trabajo tocо en segundos violines de la orquesta del Teatro Real. En 1905, un a?o antes del estreno de su оpera Maskarade, cuando ya dirig?a la orquesta regularmente, fue humillado al ser informado por la direcciоn del Teatro que para la prоxima temporada ten?a que volver a los segundos violines o renunciar.

2. Las opiniones de Nielsen sobre otros compositores pod?an ser muy maliciosas: Richard Strauss, por ejemplo, para еl era «una persona muy antipаtica; un escalador social que trataba de mostrar su grandeza». Tampoco ten?a miedo de ser provocativo: «Beethoven, a pesar de su gran poder compositivo, en realidad era sоlo un letrista». «Weber serа olvidado despuеs de 100 a?os», escrib?a. «Hay algo gelatinoso en muchas de sus obras que el tiempo no va a soportar».

3. Siempre encontraba un modo para poder acomodarse a cualquier situaciоn. Por ejemplo, en su visita a Londres para dirigir la Orquesta Sinfоnica local en la interpretaciоn de su Concierto para viol?n y la Cuarta Sinfon?a, les dijo a los m?sicos en broma: «Se?ores, me alegro de verlos. Espero tambiеn estar contento de o?rlos». En la misma visita, fue a tomar el tе con la Reina Alejandra de Dinamarca en donde dejо desabrochado el primer botоn de sus pantalones durante todo el evento para hacer espacio para los ricos pasteles.

4. Le gustaban mucho los bares. De hecho, tuvo la inspiraciоn para su Segunda Sinfon?a «Los Cuatro Temperamentos» mientras estaba sentado en uno. Еl mismo explicaba: «En la pared de la taberna donde estaba bebiendo un vaso de cerveza con mi esposa y unos amigos, hab?a una foto en color muy cоmica, dividida en cuatro secciones en las que estaban representados los diferentes temperamentos: colеrico, sangu?neo, melancоlico y flemаtico. Mis amigos y yo estаbamos divertidos por la ingenuidad de las imаgenes, su expresiоn exagerada y la seriedad cоmica. No obstante, alg?n tiempo despuеs, empecе a trabajar en el primer movimiento de mi nueva sinfon?a».

5. Era un hombre de gran energ?a y del «yo lo puedo lograr». Ten?a unos 60 a?os y ya sufr?a de enfermedades del corazоn cuando participо en los ensayos para una nueva producciоn de Maskarade en Copenhague. Cuando hubo problemas con las cuerdas sujetadoras en el escenario durante el ensayo, se ofreciо a solucionar los inconvenientes con sus propias manos. Al d?a siguiente tuvo una serie de ataques al corazоn, pero siguiо viniendo a ver todas las presentaciones. A los pocos meses, en octubre de 1931, muriо de un paro card?aco.

Revista QUID N° 61, diciembre 2015

SERGEI PROKOFIEV. «El aire extranjero no conviene para mi inspiraciоn»

Sergei Prokofiev (1891—1953)

No existe ning?n compositor moderno que no haya pasado por una experiencia de dodecafonismo. Sin embargo, entre los oyentes exist?a y existe una fuerte resistencia hacia el lenguaje atonal. Hab?a algo diferente, algo mаs atractivo y perdurable en la m?sica de Prokofiev, a pesar de que compon?a en el mismo per?odo que los compositores de la Segunda Escuela de Viena. Por algo sucede, que hasta el d?a de hoy, la m?sica de Romeo y Julietta, sus conciertos para piano y viol?n, la Marcha de El Amor por Tres naranjas y otras composiciones del compositor, no desaparecen de los conciertos. Su m?sica, que algunos de sus contemporаneos consideraban como un ejemplo de caos y destrucciоn, ahora se percibe como un modelo de originalidad y belleza emocional. La soleada naturaleza de Prokofiev era una poderosa fuente de atracciоn. Sus obras son unas de las mаs populares en la prаctica musical actual.

La vida de Sergei Sergеievich Prokofiev podr?a ser dividida cronolоgicamente en tres partes. Y no solamente en los per?odos que estamos acostumbrados a observar en cualquier biograf?a: la infancia, la juventud y la vejez de una persona. Mаs allа de esto, el caso particular de Prokofiev obtiene un fraccionamiento estrictamente ligado a los importantes acontecimientos histоricos, pol?ticos y sociales. Hay pocos ejemplos en los que un hombre con sоlo 61 a?os experimenta la vivencia de tres еpocas histоricas distintas. Los primeros 26 a?os Prokofiev los viviо en la Rusia zarista, los siguientes 19 a?os en los Estados Unidos y Francia, y los ?ltimos 17 a?os en la Uniоn Soviеtica. Ya con sоlo imaginar toda la complejidad del panorama de las condiciones y los cambios sociales nace un gran interеs por la personalidad y las cualidades art?sticas de Prokofiev. En su Autobiograf?a Prokofiev escribe: «Nac? en 1891. Borod?n muriо hace cuatro a?os, Liszt hace cinco, Wagner ocho y M?sorgski diez. A Tchaikovski le quedaban todav?a dos a?os y medio de vida. Hab?a completado la Quinta sinfon?a, pero todav?a no empezaba la Sexta. Rimski-Korsakov reciеn hab?a terminado su Scheherezade y estaba preparаndose para revisar la оpera Boris Godunov de M?sorgski. Debussy ten?a veintinueve a?os, Glazunov veintiseis, Skriabin diecinueve, Rachmaninov dieciocho, Ravel diecisеis, Stravinski nueve y Hindemith no hab?a nacido a?n. Alejandro III gobernaba en Rusia; Lenin ten?a veinti?n a?os y Stalin once. Yo nac? el miеrcoles 11 de abril (calendario gregoriano), a las cinco de la tarde».

El pueblo natal de Sergei Prokofiev se llamaba Sontsovka. Actualmente es el pueblo Krаsnoye, situado en el distrito de Donetsk. El talento musical de Prokofiev se revelо a muy temprana edad, probablemente a los cuatro a?os. La madre pasaba varias horas estudiando piano. Comenzaba los estudios con los ejercicios de Carl Czerny. Sergei se acomodaba arriba de una silla. La madre practicaba sobre el registro mediano del teclado y dejaba a su hijo las dos ?ltimas octavas, donde еl realizaba sus experimentos infantiles. Para el ingreso al Conservatorio de San Petersburgo, Sergei Prokofiev, de 13 a?os, hab?a tra?do dos grandes folios que conten?an cuatro оperas, dos sonatas, una sinfon?a y varias piezas para piano. El 5 de mayo de 1914, Prokofiev interpretо brillantemente su Primer Concierto para Piano en el examen final; esta vez egresaba del Conservatorio como pianista. Como recompensa por la eficaz finalizaciоn del Conservatorio, Mar?a Grigоrievna le propuso a su hijo un viaje al extranjero. Sergei hab?a elegido Londres, donde la Compa??a de Ballet de Diaghilev se encontraba triunfando y parec?a que el joven empresario ruso Sergei Diaghilev ten?a la llave del еxito musical en Europa. El joven compositor hab?a escrito tres ballets para Diaghilev.

Hasta el d?a de hoy se discute la cuestiоn: ?por quе Prokofiev decidiо volver a su tierra natal despuеs de haber estado dieciocho a?os en el extranjero? La mayor?a de los biоgrafos del compositor describen este retorno como el resultado de la competencia con Stravinski. Tambiеn por la repentina muerte de Diaghilev, o por la fr?a recepciоn de sus obras. Del mismo modo, existe la opiniоn de que Prokofiev fue «enga?ado» por sus colegas-m?sicos, que le hab?an comentado muchas cosas interesantes de la vida cultural en la Uniоn Soviеtica, pero que no le dijeron nada sobre la alarmante situaciоn pol?tica. Pero quе puede ser mаs claro sobre el asunto sino las propias palabras de Prokofiev expresadas al cr?tico Serge Moreux: «El aire extranjero no conviene para mi inspiraciоn, porque soy ruso. Tengo que permanecer en m? mismo, en un clima psicolоgico especial que no es sоlo mi carrera».

Prokofiev y Shostakovich, dos gigantes de la m?sica del siglo XX, nunca se entend?an entre s?. Donde Shostakovish era reservado, Prokofiev era franco. Sin embargo, despuеs de los acontecimientos de 1948 sus relaciones se convirtieron en mucho mаs cercanas. En octubre de 1952, tras el estreno de la Sеptima Sinfon?a de Prokofiev, Shostakovich le enviо una emocionante carta de felicitaciones: «Le deseo al menos otros cien a?os de vida y de creaciоn. Escuchar obras como su Sеptima Sinfonia hace que vivir resulte mucho mаs fаcil y dichoso».

Por una terrible iron?a, Sergei Prokofiev muriо el mismo d?a en que la muerte de Stalin fue anunciada. Su muerte casi no fue notada por los medios de comunicaciоn de ese momento. En 1957, el Gobierno soviеtico le hab?a otorgado pоstumamente el Premio Lenin. Lamentablemente, es poco cre?ble que alguien de las autoridades hubiese podido sentir una terrible culpa por esclavizar el creativo genio del artista.

Revista QUID N? 16, abril 2008

GIACCOMO PUCCINI. El grande

Giaccomo Puccini (1858—1924)

La popularidad de un compositor se confirma de un modo muy sencillo: es suficiente con saber que la multitud canta sus melod?as. Las canturrean o las cargan en sus celulares, a veces sin conocer el nombre del autor: el Menuet de Boccherini, la Peque?a Serenata nocturna de Mozart, la Obertura 1812 de Tchaikovski, O Fortuna de Orff, Va, pensiero de Verdi o Nessun dorma de Puccini. Los dos ?ltimos temas son tan queridos por el p?blico que las personas, conmovidas por el deseo de escucharlos en sus casas, compran las оperas enteras, sin preocuparse demasiado por los altos precios de las grabaciones. La famosa aria Nessun dorma con toda razоn se puede considerar la obra mаs difundida. La interpretan todos: los cantantes l?ricos (L. Pavarotti, P. Domingo, J. Carreras) y los populares (A. Bocelli, S. Brightman, A. Franklin, K..Jenkins, P. Potts). Al interpretarla, los solistas de оpera reafirman su capacidad y maestr?a vocal y los cantantes populares, en varios casos, conquistan el derecho de permanecer en el escenario. La оpera Turandot, a la cual pertenece Nessun dorma, fue iniciada por Puccini en el verano del 1920 y quedо incompleta en el invierno del 1924 por la prematura muerte del compositor. Es una оpera que gozо de una gran aceptaciоn desde su peculiar estreno en 1926, dos a?os despuеs de la muerte del compositor en Bruselas. Estа basada en la homоnima obra de Carlo Gozzi y el libreto fue escrito por Giuseppe Adami y Renato Simoni. El ?ltimo dueto y el final de la оpera fueron completados por Franco Alfano a partir de los esbozos dejados por el maestro.

Giacomo Puccini, heredero de la gran tradiciоn l?rica italiana, naciо en Lucca el 22 de diciembre de 1858. No fue un compositor fruct?fero, sin contar algunas escasas piezas instrumentales y algunas obras religiosas que compuso al principio de su carrera. ?nicamente doce оperas conforman su producciоn musical. El n?mero parece insignificante en comparaciоn con el de sus antecesores como, por ejemplo, Donizetti, Rossini o Verdi. Pero gracias a la belleza particular y el memorable melodismo de sus obras, se convirtiо en el compositor clave del repertorio oper?stico y en uno de los mаs apreciados y aplaudidos por el p?blico.

Su familia estaba formada por m?sicos y durante generaciones algunos de sus miembros fueron maestros de capilla de la Catedral de Lucca. Cuando en 1863 muere su padre Michele, el peque?o Giacomo, a pesar de que no demostraba un talento musical especial, siguiо la tradiciоn familiar y empezо a estudiar con su t?o Fortunato Magi, que lo consideraba un alumno no particularmente dotado y sobre todo indisciplinado. Los biоgrafos del compositor indican que a la edad de quince a?os, el director del Instituto de M?sica Pacini de Lucca, Carlo Angeloni, logrо despertar en el joven un gran interеs por el mundo de los sonidos. Puccini se revelо entonces como un buen pianista y organista cuya presencia se disputaban los principales salones e iglesias de la ciudad. En 1876, la audiciоn en Pisa de la Aida de Verdi fue una autеntica revelaciоn para Puccini. Bajo su influencia, decidiо dedicar todos sus esfuerzos a la composiciоn oper?stica, aunque ello implicara abandonar la tradiciоn familiar. Sus a?os de estudio en el Conservatorio de Milаn le confirmaron esta decisiоn. Amilcare Ponchielli, su maestro, lo animо a componer su primera obra para la escena: Le villi, оpera de un acto estrenada en 1884 con un еxito mаs que apreciable. El verdadero еxito se lo trajo la inauguraciоn de su tercera оpera, Manon Lescaut (1893). Cuentan que en el d?a del estreno el entusiasmado p?blico aplaud?a y gritaba tanto que el telоn se levantо 50 veces. Puccini iba encontrando su propia voz y su trabajo posterior, La boh?me (1896), confirmо su creciente triunfo. Durante la composiciоn de La boh?me se formо un cierto c?rculo de amigos alrededor del compositor que se llamaba «El Club de la Boh?me». Puccini se reun?a con sus compa?eros por las tardes en una caba?a en el bosque y bajo la luz de la lаmpara de kerosеn, jugaban a las cartas o contaban historias cоmicas. All? hab?a un piano y el due?o a menudo interpretaba algunas partes de su nueva obra y escuchaba los consejos de sus invitados. Todo iba muy bien hasta que un d?a empezо la temporada de caza. Siendo un cazador apasionado, Puccini desaparec?a desde la ma?ana de la casa para ir a cazar a un lago cercano. Su esposa y el editor de la futura obra estaban preocupados porque el trabajo quedaba sin avance. Para protegerse de los reproches de estos dos, un d?a invitо a un joven pianista que en sus horas de ausencia tocaba en su cuarto los fragmentos de La boh?me para demostrar a todos que el trabajo segu?a adelante.

En 1900 vio la luz la оpera mаs dramаtica de su catаlogo, Tosca, y cuatro a?os mаs tarde la exоtica Madama Butterfly. En estas obras la tradiciоn vocal italiana se integraba en un discurso musical fluido y continuo en el que se dilu?an las diferencias entre los distintos n?meros de la partitura, al mismo tiempo que se hac?a uso discreto de algunos temas repetidos a la manera wagneriana. Sin embargo, a pesar de su еxito tras Madama Butterfly, Puccini se vio impulsado a renovar su lenguaje musical. Con La fanciulla del West iniciо esta nueva etapa, caracterizada por asignar mayor importancia a la orquesta y por abrirse a armon?as nuevas que revelaban el interеs del compositor por la m?sica de Debussy y Sch?nberg.

Puccini fue un hombre de una notable presencia. Sus galantes modales, su orgullosamente levantada cabeza, sus lindos ojos, su ondulado pelo y sus elegantes bigotes no dejaban indiferente a ninguna mujer. En el a?o 2008 Paolo Benvenuti realizо la pel?cula Puccini e la fanciulla, que cuenta las aventuras amorosas del compositor. Sin embargo, la nieta de Puccini, Simonetta, estaba muy indignada por el hecho de que dudosas historias como esta sal?an a las pantallas del cine. Ella preferir?a recordar otras cosas sobre su abuelo; por ejemplo, algunas anеcdotas que comprueban su buen sentido del humor:

Una vez, sentado en la butaca del teatro, dijo al o?do de su amigo:

– El cantante principal es incre?blemente malo. ?Nunca en mi vida escuchе algo mаs espantoso!

– Entonces, mejor volvemos a casa – le ofreciо el amigo.

– ?De ninguna manera! Conozco bien esta оpera: en el tercer acto la hero?na debe matarlo. ?Tengo que esperar a que llegue ese momento feliz!

Conmemorando los 150 a?os del nacimiento de Giacomo Puccini los m?sicos de todo el mundo una y otra vez se dirigen a las inolvidables obras del maestro. Hasta los famosos cineastas como Woody Allen, por ejemplo, hacen sus contribuciones al acontecimiento. Еl estrenо su montaje de Gianni Schicchi, una de las tres оperas breves que conforman Il Trittico de Puccini. Un joven compositor chino, Hao Weija, hizo su versiоn del final de la оpera Turandot. Este hecho una vez mаs nos demuestra un gran amor popular hacia la m?sica del genial Giacomo Puccini.

Revista QUID N° 19, diciembre 2008

RACHMANINOV. en el Teatro Colоn

Sergei Rachmaninov (1873—1943)

En el 2013 se cumplieron los 140 a?os del nacimiento y los 70 a?os de la muerte de Sergei Rachmaninov. El Teatro Colоn celebrarа estos eventos con el estreno en Argentina de dos оperas del compositor.

Cuando se habla de la obra de Rachmaninov, en primer lugar se recuerdan los Conciertos para piano, pero rara vez se menciona la existencia de las оperas. El compositor compuso tres оperas en su totalidad. Dos de ellas, Aleko y Francesca da Rimini, serаn presentadas en el mes de mayo en el Teatro Colоn.

Rachmaninov compuso Aleko a los 19 a?os. Este fue su trabajo de graduaciоn en el Conservatorio Estatal, donde estudiaba composiciоn. El libreto de la оpera, que se basa en el poema de Aleksandr Pushkin Los gitanos, pertenece a Vladimir Nemirovich-Danchenko, el fundador del Teatro Art?stico de Mosc?. Es sorprendente que la composiciоn de la obra le llevо al autor solamente 17 d?as. Los profesores del comitе examinador calificaron a Aleko con la nota mаs alta, agregаndole un signo «mаs». La obra atrajo la atenciоn de Piotr Ilyich Tchaikovski, quien participо activamente en su futura producciоn. Uno de los destacados intеrpretes del Aleko fue el flamante bajo ruso Fiоdor Chaliapin, amigo de Rachmaninov.

En el oto?o de 1904, ocho a?os despuеs de su graduaciоn, Rachmaninov fue nombrado director art?stico del Teatro Bolshoi. Esta actividad durо dos temporadas y coincidiо con la composiciоn de otras dos оperas del compositor: El caballero Avaro y Francesca da Rimini. El libreto de la ?ltima fue escrito por Modest Tchaikovski, el hermano del gran compositor, y encarna la historia de amor narrada por Dante en la Divina Comedia. El estreno de Francesca tuvo lugar en enero de 1906, y fue dirigida por Rachmaninov mismo.

La idea de presentar las оperas de Rachmaninov en el Teatro Colоn pertenece a Ira Levin, m?sico de Chicago, reconocido por su versatilidad como director de repertorios sinfоnicos y oper?sticos. Ira Levin comentо durante nuestro encuentro: «Es muy valorable que el Teatro Colоn estе dispuesto a ofrecerle al p?blico los tesoros del gеnero oper?stico que no son muy difundidos. Este a?o interpretaremos a Rachmaninov; para el prоximo estamos pensando en El Аngel de fuego de Sergei Prokofiev. Cuando me preguntan en quе radica mi atracciоn por la m?sica rusa, contesto que es algo genеtico, tal vez, ya que mis abuelos provienen de Rusia. Estoy seguro de que el p?blico disfrutarа mucho de las оperas de Rachmaninov. A pesar de que Aleko es una obra temprana del compositor y en ella uno puede sentir las influencias de M?sorgsky y Tchaikovski, se puede percibir la originalidad de las caracter?sticas musicales propias de Rachmaninov, que descubren su incre?ble don romаntico. La m?sica de Francesca es un ejemplo de la complejidad sinfоnica que requiere de los m?sicos una entrega particular para transmitir el dramatismo de la оpera».

Ira Levin tambiеn le propuso al directorio del Teatro Colоn invitar a cantantes rusos para realizar los papeles principales. Entre ellos se encuentran el bar?tono Sergei Leiferkus, la soprano Irina Oknina, el tenor Leonid Zakhozhaev y el bajo Maxim Kuzmin-Karavaev.

Sergei Leiferkus, una legenda viva de la оpera, cantante principal del Teatro Mariinski y el Covent Garden, cuenta: «Como se sabe, la оpera naciо en Italia y hasta hoy la оpera italiana sigue siendo la favorita. A su vez, la оpera rusa fue por mucho tiempo desconocida por el p?blico fuera de Rusia por ser cantada en un idioma ajeno al o?do. De ah? proviene un lamentable desconocimiento de los grandes cantantes rusos. Me acuerdo que cuando Plаcido Domingo estaba trabajando sobre el papel de Hermann de La Dama de picas de Tchaikovski, yo le hab?a regalado una grabaciоn cantada por rusos. Luego de escucharla, se quedо maravillado por el canto del tenor soviеtico Zurab Andjaparidze: «??Cоmo puede ser que el mundo no conozca a grandes solistas como еl!?». Espero que las presentes funciones de las оperas de Rachmaninov despierten un mayor interеs del p?blico de Buenos Aires hacia la оpera rusa».

La soprano Irina Oknina, disc?pula de Galina Vishnevskaia, comenta que a pesar de los problemas econоmicos y sociales que existen en Argentina (hablо del suceso de cuando paseando cerca de su hotel un desconocido le hab?a arrebatado su cadenita, dejando sobre su cuello la raspadura de sus dedos), el Teatro Colоn sigue siendo una isla de la gran tradiciоn musical que permite el enriquecimiento de la cultura.

Russia Beyond the Headlines (Es)

GIOACHINO ROSSINI. Apasionado por la оpera y la gastronom?a

Gioachino Rossini (1792—1868)

En el a?o 2012 se conmemora el 220° aniversario de Gioachino Rossini, uno de los compositores mаs prol?ficos de la m?sica clаsica, quien, ademаs, tuvo la fortuna de nacer un 29 de febrero. Es por eso que, desde 1792, estrictamente sоlo han pasado 53 cumplea?os suyos. Entre los compositores italianos del siglo XIX, Rossini ocupa un lugar especial. No sоlo reviviо y reformо la оpera italiana, sino que tambiеn tuvo un enorme impacto en el desarrollo del arte oper?stico en toda Europa. «El Maestro Divino», lo llamaba Heinrich Heine, que ve?a a Rossini como «el sol italiano que difund?a sus rayos sonoros por todo el mundo». Junto con Mozart y Beethoven, Rossini es uno de los compositores mаs conocidos por el p?blico en general, en buena medida por el uso que se le dio a su m?sica en el аrea del entretenimiento masivo. Por ejemplo, en la primera mitad del siglo XX, los principales exportadores de dibujos animados usaron su m?sica para ambientar diferentes historietas. De ah? es que cuando uno escucha, por ejemplo, las oberturas de Guillermo Tell o de Barbero de Sevilla, casi de inmediato recuerda su infancia.

Rossini naciо en Pеsaro, Italia. Su padre era un cornista aficionado y fue еl quien le transmitiо al peque?o un gran amor por la m?sica. Sus dotes innatas se revelaron muy pronto: a la edad de 14 a?os compuso su primera оpera, llamada Demetrio e Polibio, y cuando ten?a 18 a?os se estrenо en Venecia El Contrato Matrimonial. Las оperas de la еpoca de Nаpoles, la ciudad a la que el compositor se trasladо en 1815, demostraron su creciente talento: all? fueron producidas sus оperas serias, que ten?an un inmenso valor para las voces mаs importantes de su tiempo, tales como la de Giovanni Rubini. En 1816 fue estrenada su оpera Barbero de Sevilla, que hasta ahora se considera la mаs famosa de las оperas bufas.

La dеcada de los a?os veinte del siglo XIX aportо a Rossini muchos momentos felices: desde contraer matrimonio con Isabella Colbran (mezzosoprano, que estrenо varias de sus оperas), hasta conseguir el reconocimiento internacional, pasando por serle ofrecido en Par?s el puesto de primer Compositor del Rey. En 1823 se trasladо a Francia. All? compuso una оpera que celebraba la coronaciоn de Carlos X. En 1829 escribiо Guillermo Tell, obra que definiо su consagraciоn. Curiosamente, esta fue su ?ltima оpera, aun cuando le quedaban cuatro decenas de a?os de vida por delante. Sigue siendo un misterio el hecho de por quе Rossini dejо de componer оperas. Son muchas las teor?as que tratan de dar respuesta a esta pregunta: desde el aburrimiento hasta la falta de necesidad, dada la riqueza que ya hab?a acumulado, pasando por problemas de salud. Pero tambiеn existe la opiniоn de que Rossini hab?a dejado la m?sica para dedicarse a su otra pasiоn: la gastronom?a. Como anеcdota y referencia al apasionamiento que en еl suscitaba el tema gastronоmico, se dice que en toda su vida llorо ?nicamente en dos ocasiones: por la muerte de su padre, y cuando se le cayо por la borda del barco un pavo trufado. Situaciоn comprensible, si se tiene en cuenta que para Rossini la trufa era «el Mozart de las setas».

Rossini, ademаs de haber tenido muy buen gusto por la comida, era un excelente cocinero. Le gustaba mucho cocinar, sobre todo macarrones, de los cuales era un apasionado; tambiеn lo era del patе de pollo con cangrejos a la mantequilla. Incluso, existen varias recetas que llegaron hasta nuestros d?as, entre ellas una receta de canelones que lleva el nombre de Rossini. Los que conoc?an al compositor personalmente siempre recordaban «los sаbados musicales» de Rossini. Seg?n la descripciоn que hizo el famoso cr?tico musical Filippo Filippi (1830—1887), para Rossini el sаbado era un d?a excepcional, pues invitaba a cenar a diecisеis personas a su casa. Los invitados deb?an vestirse con traje de gala, mientras еl usaba una zimarra (especie de sotana larga) y su corbata era sostenida con un broche de un medallоn de H?ndel. La escrupulosidad que Rossini pon?a en estas cenas se reflejaba no sоlo en los platos que serv?a, sino tambiеn en el refinamiento de la vajilla y la decoraciоn de la casa.

La elecciоn de los invitados se hac?a por tres motivos: en primer lugar, por tener la capacidad de divertir e interesar a Rossini; en segundo lugar, por demostrar una extrema deferencia hacia Olimpia Pеlissier (la segunda esposa, con quien se casо tras la muerte de Isabella); y, en tercer lugar, por distinguirse en alg?n аmbito. La variedad del p?blico estaba asegurada y por la casa pasaban muchas personas cеlebres: Michele Carafa, Giuseppe Verdi, el pr?ncipe Poniatowski, Alejandro Dumas, Gustave Dorе, el Barоn Rothschild, el Barоn Haussmann, entre otros. La se?ora Olimpia ten?a un papel muy importante en estas cenas. Ella asist?a con una gran decencia y pretend?a ser honrada igual que su marido; sоlo era necesario que alguno de los invitados no le devolviese un cumplido para ser borrado de la lista de la siguiente invitaciоn. Por otra parte, Olimpia obraba como freno de la desmedida generosidad de Rossini.

Durante su vida, Rossini recibiо las condecoraciones mаs importantes de Francia e Italia y un gran reconocimiento por parte de sus colegas de profesiоn; tras la entrevista que Rossini y Richard Wagner tuvieron en 1860, el ?ltimo declarо que de todos los compositores que hab?a conocido en Paris, el ?nico verdaderamente grande era Rossini, a quien ve?a serio y sencillo.

Rossini falleciо en Passy, cerca de Par?s, en 1868. Fue enterrado en el Cementerio del P?re-Lachaise. En 1887 sus restos fueron trasladados a Florencia, a la Bas?lica de la Santa Croce, junto a sus gloriosos paisanos: Galileo Galilei, Dante y Miguel Аngel.

Revista QUID N° 19, diciembre 2008

ARNOLD SCH?NBERG. El anarquista

Arnold Sch?nberg (1874—1951)

El 13 de septiembre de 1874 naciо en Viena el compositor Arnold Sch?nberg, uno de los hombres mаs importantes de la m?sica del siglo XX. Despuеs de su apariciоn, en la m?sica se produjo una polarizaciоn entre el conservatismo y el vanguardismo. A partir de aqu?, todo lo que fuese vanguardia musical era calificado de dodecafоnico.

Para demostrar su propia importancia en el progreso de la nueva teor?a, Sch?nberg sol?a repetir que «nadie quer?a ser Sch?nberg». No obstante, el surgimiento del dodecafonismo corresponde a una sucesiоn absolutamente lоgica dentro de la m?sica y estа fuertemente articulado con los cruciales cambios en la esfera pol?tica y social de Europa del principio del siglo pasado. Existe una determinaciоn seg?n la cual la tonalidad se compara con el absolutismo, y cuando еste concluye, llega la atonalidad, que simboliza la anarqu?a. Dentro de este esquema, el dodecafonismo ser?a un nuevo ordenamiento de los sonidos. Un ordenamiento mucho mаs democrаtico, donde no hay jerarqu?as. Si antes la tоnica, la dominante y la subdominante ten?an mayor importancia en la secuencia musical, ahora cualquiera de las doce notas recibe el mismo derecho de ser igual a las demаs. No existe ning?n compositor moderno que no haya pasado por una experiencia de dodecafonismo. Sin embargo, entre los oyentes exist?a y existe una fuerte resistencia contra el lenguaje atonal. La m?sica, hablando en tеrminos f?sicos, estа formada por ondulaciones de aire que nos afectan de un modo directo. En general solemos percibir con mаs placer los sonidos que agradan a nuestro o?do. Esto se entiende mejor cuando recordamos la diferencia entre la m?sica oriental y la occidental. La m?sica occidental, a diferencia de la m?sica tradicional de oriente, tiene como uno de sus elementos importantes la armon?a. La cultura occidental es la ?nica que posee una m?sica «polifоnica», es decir, m?sica en la que las notas musicales se usan en forma simultаnea y coordinada. El o?do occidental no estа acostumbrado a percibir con facilidad los microtonos o intervalos mayores al tono o tono y medio que se usan en la m?sica oriental.

Seg?n las palabras de Alex Ross, cr?tico musical de The New Yorker, el problema de Sch?nberg es que su m?sica es muy oscura, intensa y visceral. La estructura de sus obras es casi automаtica, realizada en un estado psicolоgico extremadamente violento. Una de sus preocupaciones era que su se?ora le era infiel con el pintor Richard Gerstl, quien se ahorcо al poner ella fin a sus amor?os. Sch?nberg tambiеn ten?a tendencias suicidas y eso se refleja en sus composiciones. Еl y sus principales seguidores, Alban Berg y Antоn von Webern, proclamaron que la tonalidad hab?a muerto y que la atonalidad era el ?nico futuro de la m?sica. Las audiencias reaccionaron poniеndose fuertemente en contra, no tanto por la atonalidad sino por el intento de borrar del mapa a toda aquella m?sica anterior que tanto adoraban y con la cual se identificaban.

La mejor forma de empezar a conocer el corpus musical del compositor es seguirlo en su propio recorrido cronolоgico. Sus obras tempranas son el «eslabоn perdido» entre el Sch?nberg atonal y el romanticismo, y por eso son la mejor puerta de entrada. «Noche transfigurada», tanto en su versiоn original para sexteto de cuerdas como para orquesta de cаmara, es la mаs clara al respecto: all? se escucha el origen vienеs de Sch?nberg, influido tanto por Mahler como por Brahms y Wagner, en el uso intensivo y expresivo del cromatismo.

Algunos consideran que Sch?nberg fue mejor teоrico que compositor. La historia de la m?sica es la historia de la evoluciоn del pensamiento musical y Sch?nberg fue un gran teоrico precisamente porque fue un compositor innovador. A veces lo acusan de una excesiva rigidez y radicalismo en la defensa de sus planteamientos, pero si lo vemos con mаs objetividad, todos los compositores son radicales en su forma de pensar. Crear es hacer algo que antes no exist?a, y eso requiere de creatividad en las ideas. As? lo hicieron Bach, Beethoven, Wagner y, despuеs de Sch?nberg, Boulez y Stockhausen.

Para Sch?nberg sus anаlisis y renovaciones no fueron experimentos impersonales, sino que los entend?a siempre de un modo radical. «Toda investigaciоn que tienda a producir un efecto tradicional queda mаs o menos marcada por la intervenciоn de la conciencia. Pero el arte pertenece al inconsciente. Es uno mismo a quien hay que expresar. Expresarse directamente», escrib?a.

Transcurridos casi sesenta a?os de su muerte, el mayor patrimonio de Arnold Sch?nberg no es sоlo su m?sica, sino tambiеn el ejemplo еtico que representо. Nunca se dejо llevar por tendencias de la moda y mantuvo siempre con firmeza sus ideas. La prueba es que sus obras se siguen interpretando, a pesar de que a?n se mantiene un cierto rechazo por parte del p?blico. Las obras mаs frecuentes en los conciertos son las siguientes: Pierrot Lunaire, la Noche transfigurada, las Variaciones para Orquesta, op. 31, los cuartetos, la m?sica para piano solo, la оpera Moses und Aron y los Gurrelieder.

Desde hace varios a?os se encuentra en funcionamiento el Arnold Sch?nberg Center en Viena. Diferentes exposiciones de este centro nos demuestran una importante articulaciоn entre Sch?nberg y los vanguardistas de la pintura y la literatura del siglo XX. Sch?nberg mismo pintaba autorretratos que reflejaban su estado de аnimo en distintos momentos de su vida. El autorretrato donde aparece con ojos rojos, por ejemplo, es muy similar a El grito