Музыкальный Петербург. Все оперные и балетные сцены Северной столицы

Инга Червинская

Музыкальный Петербург. Все оперные и балетные сцены Северной столицы

В оформлении обложки использована иллюстрация:

Iuliia Koneva / Shutterstock / FOTODOM

Используется по лицензии от Shutterstock / FOTODOM

Во внутреннем оформлении использованы фотографии:

Achim Wagner, Afonkin_Y, Aleksei Golovanov, Alex Vasilev, Alexander A.Trofi mov, Alexander Matevosyan, Alexey Smyshlyaev, Alizada Studios, ANGHI, Anna Krivitskaya, Anna Pakutina, ANNI Orlova, Anton Veselov, ARK NEYMAN, Baturina Yuliya, bellena, Borisb17, Dance60, delobol, Duet PandG, Ekaterina Bykova, Elena Koromyslova, Elena Zheliaeva, Evannovostro, Evgeniia Treukhova, FOTOGRIN, Gala_Kan, German S, Irina Kzan, Kin_Taburo, Kitreel, konstantinks, kukuruxa, LeDarArt, Leonid Andronov, Lisa-Lisa, Maksim Belonenko, MaraZe, Mistervlad, Nina Alizada, Ovchinnikova Irina, Popova Valeriya, Roofsoldier, Sergei Afanasev, Sergey Dzyuba, Sergey Kelin, Sergey SERCH, Sergey_Bogomyako, shirmanov aleksey, smith371, Stanick, Stanislav Samoylik, Stanislav71, Stanislava Yaneva, Stock Photos 2000, StockphotoVideo, Tatiana Popova, Tatyana Andreyeva, Ula Ulachka, V_E, ViralMind, VladyslaV Travel photo, vserg48, Yes1394, Yulia_B, Zoya Avenirovna / Shutterstock / FOTODOM

Используется по лицензии от Shutterstock / FOTODOM; c Рудольф Кучеров, В. Барановский, Анатолий Гаранин, Яков Берлинер / Риа Новости

© И. Червинская, текст, 2025

© ИП Москаленко, фото, 2025

© Оформление. ООО «Издательство «Эксмо», 2025

* * *

Предисловие

Какую музыку мы называем классической?

Казалось бы, простой вопрос. Но ответ на него часто вызывает затруднения. Очень часто в поисках ответа мы начинаем приводить конкретные примеры: «Ну вот, скажем, произведения Чайковского или Мусоргского – это классическая музыка… Опера – это, само собой, классика…»

Самое простое – и в то же время очень широкое – определение таково: классикой (от лат. «classicus» – «образцовый») мы называем произведения высочайшего качества, составляющие золотой фонд мировой музыки, способные служить образцами для последующих поколений композиторов. Классика – это глубина, сложность, совершенство формы; иногда синонимом словосочетания «классическая музыка» выступает определение «академическая музыка». Последнее подразумевает профессионализм автора, наличие у него специального высшего музыкального образования, его владение не только нотной грамотой, но и историей музыкального искусства, глубокое знание и понимание всех структурных элементов исполнительского мастерства.

Но и тут не обходится без исключений: например, многие русские композиторы, чьи произведения сейчас исполняются во всем мире, не имели консерваторского образования и изучали музыкальное искусство в основном частным порядком, у репетиторов: Александр Бородин, который был профессиональным врачом и химиком, военный по образованию Модест Мусоргский, Михаил Глинка, который никогда не обучался музыке в стенах специальных учебных заведений.

Иногда классику противопоставляют народной, «непрофессиональной» музыке; это тоже не совсем справедливо, так как по своей сложности и значимости произведения народного искусства порой не уступают классическим, а во многих всемирно известных операх, балетах и симфониях явственно прослеживаются использованные их авторами народные напевы. Еще один критерий – классическая музыка создается по строгим канонам, полностью соответствует теории музыки, имеет совершенную форму. Но ведь в истории музыкального искусства было немало композиторов, которые экспериментировали и с формой, и с содержанием, и со способами исполнения, и сейчас их творчество признается классикой: например, Альфред Шнитке или Сергей Прокофьев.

Поэтому мы предлагаем вам пока остановиться на нескольких критериях: классическая музыка – это произведения, которые стали безоговорочным эталоном музыкального искусства, чья значимость признана во всем мире; причем в фонд мировой классики уже давно входят не только произведения XVIII–XIX веков, но и творения композиторов двадцатого столетия. И объектом нашего внимания на страницах этой книги будет музыкальная классика Петербурга-Ленинграда. В этом городе сложилась уникальная музыкальная школа, соединившая в себе народные традиции, европейские тенденции и высочайшее качество. Здесь находятся известнейшие театры мира (отметим, что театральное соперничество двух столиц – Москвы и Санкт-Петербурга – имеет многолетнюю историю), здесь складывались традиции отечественной оперы и балета, здесь проходили судьбоносные премьеры и вершились судьбы звезд российской сцены. В Северной столице можно посетить постановку в стенах классического, старинного театрального здания, побывать в музеях, посвященных знаменитым исполнителям, увидеть и услышать авангардные произведения и постановки – иногда под открытым небом.

Конечно, наше путешествие по музыкальному Санкт-Петербургу получится достаточно кратким – за триста с лишним лет музыкальная история города стала настолько богатой, что для подробного ее описания потребовалось бы многотомное издание. Но совершить небольшую виртуальную экскурсию, сопровождаемую уникальными авторскими фото одного из самых красивых городов мира, вполне возможно!

На Дворцовой площади идет подготовка к очередному концерту

В Санкт-Петербурге параллельно развиваются традиции классики и музыкального авангарда. На фото – Александринский театр с высоты птичьего полета

Глава 1. Краткая история музыки в Санкт-Петербурге

Эпоха Петра I: первые шаги петербургской музыкальной культуры

Конечно, петербургская музыка возникла не на пустом месте – и, несмотря на весь реформаторский пыл Петра I, музыка XVIII века и всех последующих лет имела явные связи с прошлым.

До начала XVIII столетия музыкальное искусство в России представляло собой в основном две интересные и своеобразные, но не особо пересекающиеся области – это народная, фольклорная музыка и музыка церковная (духовная). Академическая музыка, которую специалисты называют еще светской профессиональной, практически не существовала как явление, если не считать немногочисленных придворных музыкантов, причем многие из них были приглашенными иностранцами. Причин у этого было много, в том числе культурные и религиозные особенности.

Народное музыкальное искусство до середины XVII столетия в России ярко представляли скоморохи. Они использовали весь спектр народных инструментов – от ложек до гуслей, от рожков до волынок (да, волынка на Руси была достаточно популярна!). Помимо игры на музыкальных инструментах, скоморохи плясали, пели, исполняли акробатические трюки, рассказывали смешные и не всегда пристойные байки; в основном в их числе были бродячие артисты, развлекавшие народ на ярмарках и различных народных гуляньях.

Инструментальную музыку, правда, уже не в скоморошьем исполнении, можно было услышать и в крестьянской избе, и в боярском тереме: разница была в основном только в качестве инструментов.

В Шереметевском дворце Петербурга можно познакомиться с историей музыкальных инструментов

В церковь инструментальная музыка не допускалась – в православии было принято пение «a capella», без сопровождения. В основном потому, что музыкальные инструменты, имевшие в России давнюю историю, в представлении священников ассоциировались с дохристианским, языческим временем.

Древнее явление

Изображения скоморохов имеются, например, на фресках Софийского собора в Киеве, которые относятся к XI столетию. А если копать глубже, бродячие артисты развлекали народ даже в Древнем Вавилоне и Риме!

Тяжелые времена для народной музыки, и для скоморохов в частности, наступили при царе Алексее Михайловиче. Во-первых, XVII век (время после Смуты) был тяжел в финансовом отношении, нередки были народные восстания, а скоморохи в своих выступлениях часто служили проводниками недовольства масс. Во-вторых, сам Алексей Михайлович был очень набожен и мнение церкви принимал близко к сердцу. В итоге в 1648 году был издан царский указ «Об исправлении нравов и уничтожении суеверий», который практически уничтожил как явление скоморошество – и нанес серьезный удар по народным музыкальным инструментам. Под запрет попали не только «гусли, домры, сурны, гудки, сопелки» и многое другое; искоренялись и другие формы народных развлечений. С особым ожесточением церковь преследовала тех, кто использует «богомерзкие хари» – то есть маски.

Мариинский театр сейчас – один из самых известных музыкальных театров России и мира. Но он далеко не ровесник Петербурга

Скоморохи. Гравюра из книги А. Олеария «Описание путешествия в Московию», XVII в.

«Артаксерксово действо» было поставлено по библейской «Книге Есфири». Здесь представлено произведение художника Э. Армитиджа на эту же тему

Музыку как таковую, конечно, не искоренили, да и народное творчество полностью запретить не удалось; но при дворе начали чаще использовать инструменты европейского происхождения – или просто те, которые не особо запятнали себя участием в скоморошьих представлениях. При царском дворе были популярны органы, скрипки, ударные, флейты, различные трубы.

Музыкальное искусство было тесно связано с театральным; считается, что первую в России придворную театральную труппу около 1672 года создал в подмосковном селе Преображенском… все тот же царь Алексей Михайлович! Тот самый, который еще недавно искоренял богомерзкие представления. Не странно ли? На самом деле нет. Для царя театральное действо, для которого он выбирал постановки на духовно-библейские темы, было возможностью нравственного воспитания придворных. Также ему хотелось продемонстрировать связь русского двора с европейской культурой, укрепив тем самым престиж России; да и предназначалось театральное зрелище лишь для узкого круга придворных. Хотя, конечно, «грешность» данного действа все же не давала царю покоя, и, если верить современникам, после первых спектаклей все зрители направлялись на исповедь.

Итак, по указанию Алексея Михайловича была построена специальная «комедиальная (или комедийная) хоромина», руководить процессом назначили боярина Артамона Матвеева и лютеранского пастора Иоганна Грегори. Первых актеров набрали практически добровольно-принудительно, но – нужно отдать должное Грегори и Матвееву – с первой постановкой на ветхозаветную тему «Артаксерксово действо» все справились неплохо. Сопровождалось ли действо музыкой, достоверно неизвестно.

После смерти Алексея Михайловича театральное искусство в России едва не угасло снова; особого интереса к нему никто не проявлял, за исключением разве что царевны Натальи Алексеевны, сестры Петра I. Сам Петр не был особым любителем театральных зрелищ; правда, по его указу на Красной площади возвели небольшое строение, где разыгрывали представления – в основном на исторические темы, а также посвященные победам России.

История этих постановок связана прежде всего с именем немца Иоганна Кунста, которому, правда, также не удалось создать в России постоянную долговечную театральную труппу.

Еще до основания Санкт-Петербурга, во время первых реформ в русской армии, набирает популярность военная маршевая музыка, во многом ориентировавшаяся на европейские образцы; после побед в Северной войне все чаще пишутся так называемые канты, или торжественные многоголосные песни: «На взятие Шлиссельбурга», «На победу под Полтавой». В числе иноземцев, в большом количестве приезжавших в Россию по приглашению Петра, были и музыканты, и певцы.

Знаковое место

Успенский собор на территории Московского Кремля, на освящении которого пел Хор государевых певчих дьяков, был построен под руководством итальянского архитектора Аристотеля Фиораванти.

В 1703 году, с основанием Санкт-Петербурга, на берега Невы из Москвы переводят Придворный хор, созданный на основе так называемого Хора государевых певчих дьяков. Его история началась еще во времена великого князя Московского Ивана III: известно, что в 1479 году государевы певчие принимали участие в освящении Успенского собора в Кремле – именно эту дату обычно считают днем рождения коллектива. В его составе были и духовные лица, и миряне – главным критерием были хороший голос и слух. В числе знаменитых «распевщиков», которые оказали большое влияние на развитие русского музыкального искусства, называют, например, двух певчих времен Ивана Грозного – Ивана Носа и Федора Крестьянина, которые были, по преданию, привезены царем из Новгорода в Александровскую слободу, одну из царских резиденций.

Уже после смерти Петра, в 1763 году, Придворный хор официально стал Придворной певческой капеллой, и к ее истории мы еще обязательно обратимся.

Успенский собор служил усыпальницей практически всех московских патриархов, также в нем проводились коронации

Петропавловская крепость на Заячьем острове в дельте Невы. С ее сооружения началась история Санкт-Петербурга

В годы правления Петра I певчие вели весьма активную жизнь: участвовали в богослужениях и различных празднествах, радовали своим искусством иноземных послов и даже сопровождали государя в военных походах – чтобы в случае победы отметить ее торжественными песнопениями. Конечно, женщин в составе хоров тогда не было. Есть сведения о том, что Придворный хор участвовал в торжествах по случаю основания Санкт-Петербурга в мае 1703 года – в его составе тогда было 28 певчих. Вся последующая история этого коллектива связана уже с Северной столицей, и многие его участники считаются первыми известными российскими музыкальными теоретиками и композиторами: например, Николай Бавыкин (правда, известно о нем крайне мало), Стефан Беляев, Василий Титов.

Во времена Петра I российская музыка начинает отличаться разнообразием жанров, пусть пока и не таким богатым, как европейская. Выделяются военные, танцевальные, застольные, торжественные произведения. При воинских частях создаются постоянные военные оркестры; впрочем, многие подобные коллективы были вполне универсальны, исполняя музыку и во время военных походов, и во время ассамблей – приемов, которые ввел в обычай Петр I. Кроме того, практически все представители аристократии имели свои собственные домашние оркестры; у кого-то они были составлены из представителей обученной музыкальной грамоте дворни, ну а те, кто побогаче, иногда даже приглашали европейских оркестрантов.

А. Шарлемань. Рядовой, сержант и офицер Преображенского полка петровских времен. Иллюстрация из альбома «История Лейб-гвардии Преображенского полка», 1900 г.

Правда, со специальными зданиями и прочими учреждениями для театральных и музыкальных постановок дела обстояли туго. Например, был в Санкт-Петербурге театр царевны Натальи Алексеевны, но он ненадолго пережил царевну и ее брата-императора. А построенный по указу Петра «комедиантский дом» на берегу реки Мойки был разобран из-за ветхости в 1730-х годах.

XVIII век после Петра: развитие музыкальных традиций при петербургском дворе

Примерно с 1730-х годов в Россию все чаще приезжали зарубежные театральные труппы и оркестры, причем они задерживались надолго, путешествуя по аристократическим гостиным и залам императорских резиденций. И все же следует признать, что круг потребителей музыки такого рода в то время был еще очень узким, ограничиваясь правящей элитой и высшим дворянством. При этом зарубежные гастролеры пели на родном языке, а слушатели прилежно следили за ходом действия на сцене, держа в руках специально переведенное на русский язык либретто или полагаясь на собственную интуицию и чувство прекрасного.

Придворный хор, являясь единственным официальным хоровым ансамблем страны, занимал центральное место в музыкальной жизни столицы. Его исполнители участвовали в торжественных мероприятиях, ассамблеях и маскарадах, а начиная с 1730-х годов стали регулярно задействоваться в спектаклях придворного театра. Из его рядов вышло немало выдающихся оперных певцов, среди которых особенно известны Максим Березовский и Марк Полторацкий. А будущий композитор Дмитрий Бортнянский еще в детстве исполнял сольные партии в операх, преимущественно итальянских.

Большое влияние на развитие русской музыки оказывали популярные в России немецкие и итальянские труппы; в 1730-х – 1750-х годах придворным капельмейстером в Санкт-Петербурге служил итальянец Франческо Арайя; именно его опера «Сила любви и ненависти» считается первым произведением такого рода, поставленным на российской сцене. Часто во время выступлений итальянцев и немцев в «высочайших» гостиных Петербурга компанию им составляли русские певцы и музыканты, которые таким образом набирались опыта. В 1755 году все тот же Арайя поставил оперу «Цефал и Прокрис» по либретто Александра Сумарокова; это было первое в истории русское оперное либретто, написанное, кстати, по заказу императрицы Елизаветы Петровны, а исполняли оперу русские придворные певцы.

Летний сад и Летний дворец Петра I. В теплое время года ассамблеи с музыкой и танцами иногда проводились прямо на дорожках парка

А это Зимний дворец, который строили для дочери Петра – Елизаветы. Правда, она в нем пожить не успела, но разница в масштабах видна сразу!

Ж.-А. Ватто. Итальянские комедианты. 1710-е

Елизавета была страстной поклонницей музыки. Она даже сама пробовала сочинять песни; при ее дворе пользовалась уважением народная музыка, но основу репертуара все же составляли итальянские шедевры.

В России понемногу осваивались уже хорошо известные в Европе музыкальные жанры: опера, сюита, кантата; в дворянских семьях обучение музицированию становится практически обязательным.

Опера стала одним из самых любимых зрелищ аристократии середины XVIII века. За время царствования Елизаветы на сцене было поставлено более двух десятков опер, большинство из которых строилось на античных сюжетах. Несмотря на некоторую тяжеловесность, зрители с восторгом посещали оперные спектакли, заполняя залы до отказа. Всеобщей любовью пользовались комические сюжеты – предшественники музыкальной комедии.

Придворный хор (бывший хор Государевых певчих дьяков) работал на пределе возможностей, и было решено увеличивать его состав. При Елизавете Петровне в составе хора было уже сто певчих, причем к исполнению привлекали детей и подростков. Интересно, что Придворный хор оказал большое влияние на личную жизнь императрицы Елизаветы: самый известный ее фаворит, Алексей Разумовский, начинал свою карьеру в Санкт-Петербурге как певчий. Его привезли из украинского села Чемер, где он пел на церковном клиросе. Знакомство Елизаветы с Разумовским состоялось еще в бытность ее царевной. Во многом благодаря ей у нас стали популярны такие инструменты, как мандолина, арфа и гитара; на смену клавесинам во второй половине XVIII века приходят ранние модели фортепиано.